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受古希腊罗马启发的西方文化运动;安东尼奥Canova;1787;大理石;155厘米× 168厘米;卢浮宫里的查尔斯·汤尼在他的雕塑画廊;约翰·Zoffany;1782;油画;高:127厘米，宽:102厘米;汤尼利大厅美术馆和博物馆(伯恩利，英国)

新古典主义(也拼作新古典主义;起源于希腊ν ο nèos，“new”以及希腊“最高级”的一项西方文化运动(起源于装饰和视觉艺术、文学、戏剧、音乐和建筑)，它从古代的艺术和文化中获得了灵感。新古典主义在罗马诞生，很大程度上要归功于约翰·约阿希姆·温克尔曼的作品，当时庞贝古城和赫库兰尼姆古城被重新发现，但随着一代欧洲艺术学生结束了他们的“大旅行”，带着新发现的希腊-罗马理念从意大利回到自己的国家，它的流行传遍了整个欧洲。主要的新古典主义运动发生在18世纪的启蒙时代，并持续到19世纪早期，与浪漫主义展开横向竞争。在建筑上，这种风格延续了整个19世纪、20世纪和21世纪。

欧洲视觉艺术的新古典主义大约始于1760年，反对当时占主导地位的洛可可风格。洛可可建筑强调优雅、装饰和不对称;新古典主义建筑是基于简单和对称的原则，这被视为罗马和古希腊艺术的美德，并更直接地从16世纪文艺复兴时期的古典主义中汲取。每一种“新”古典主义都会从一系列可能的经典中选择一些模型，而忽略其他的。1765-1830年的新古典主义作家和演说家、赞助人和收藏家、艺术家和雕塑家都对菲迪亚斯这一代的思想表示敬意，但他们真正接受的雕塑例子更有可能是希腊雕塑的罗马复制品。他们忽视了古希腊艺术和古代晚期的作品。古巴尔米拉的“洛可可”艺术是一种启示，通过伍德的《巴尔米拉废墟》中的雕刻。就连希腊也几乎无人涉足，它是奥斯曼帝国的一潭死水，探险起来很危险。因此，新古典主义者对希腊建筑的欣赏是通过绘画和雕刻来调和的，这些绘画和雕刻巧妙地打磨和规范了希腊的纪念碑，“纠正”和“修复”了希腊的历史遗迹，这并不总是有意识的。

帝国风格是新古典主义建筑和装饰艺术的第二阶段，它的文化中心在拿破仑时代的巴黎。特别是在建筑领域，但在其他领域，新古典主义在19世纪早期之后很长一段时间里仍然是一股力量，在20世纪甚至21世纪，复兴主义浪潮周期性地出现，尤其是在美国和俄罗斯。

新古典主义是直接受古典时期启发的许多古典风格和古典精神的复兴，它与启蒙时代的哲学和其他领域的发展相一致，并最初是对过度的洛可可风格的反应。虽然这一运动经常被描述为浪漫主义的对立面，但这是一种过于简单化的做法，当考虑到特定的艺术家或作品时，往往是不可持续的。所谓的晚期新古典主义的主要拥护者，安格尔，就很好地证明了这一点。这种复兴可以追溯到正式考古学的建立。

约翰·约阿希姆·温克尔曼(Johann Joachim Winckelmann)的作品在建筑和视觉艺术领域都对这一运动产生了重要影响。他的著作《关于绘画和雕塑中模仿希腊作品的思考》(1750年)和《古艺术史》(1764年)第一次明确区分了古希腊和罗马艺术，并定义了希腊艺术的各个时期，从成长到成熟，再到模仿或颓废，一直影响到今天。Winckelmann认为艺术应该瞄准“高贵的简单和平静的壮丽”,并赞扬希腊艺术的理想主义,他说我们发现“不仅大自然的最美丽的风光,也超越自然,即某些理想形式的美,这是一个古老的翻译的柏拉图教导我们,仅仅来自于大脑创造的图像”。这一理论在西方艺术中并不新鲜，但他对希腊模型的近乎复制的强调是:“我们要想变得伟大，或者如果可能的话，那就是独一无二的，那就是模仿古人。”

随着大旅行的到来，一股收集古董的热潮开始了，这为许多伟大的收藏奠定了基础，并在整个欧洲传播新古典主义复兴。每一种艺术中的“新古典主义”都暗示着一种特定的“古典”模式。

在英语中，“新古典主义”一词主要用于视觉艺术;英国文学中类似的运动，在相当早的时候就开始了，被称为奥古斯都文学。在视觉艺术的新古典主义开始流行的时候，这种主导了几十年的方式开始衰落。虽然术语不同，但法国文学的情况是相似的。在音乐方面，这一时期见证了古典音乐的兴起，“新古典主义”被用于20世纪的发展。然而，克里斯托夫·威利博尔德·格拉克的歌剧代表了一种特定的新古典主义的方法，在他出版的《阿尔塞斯特》(1769)的乐谱的序言中阐明了这一点，它旨在通过移除装饰物、增加希腊悲剧中合唱团的作用和使用更简单朴实的旋律线来改革歌剧。

“新古典主义”一词直到19世纪中期才被发明出来，当时这种风格被描述为“真正的风格”、“改革派”和“复兴派”;被认为复活的东西变化很大。非常古老的模型肯定,但风格也可能被视为文艺复兴的复兴,特别是在法国回到更简朴和高贵的巴洛克时代的路易十四,相当怀旧了作为法国的军事和政治主导地位开始下降严重。安格尔的拿破仑加冕画像甚至借用了古代领事双连画和卡洛林王朝的复兴，招致批评家的反对。

新古典主义在建筑、雕塑和装饰艺术中表现得最为强烈，在这些领域中，使用同一媒介的古典模型数量相对较多，也容易获得;古代绘画中的一些例子，证明了温克尔曼在雕塑作品中发现的文字的特质，在过去和现在都是缺乏的。温克尔曼参与了在庞贝和赫库兰尼姆(Herculaneum)发现的第一批大型罗马绘画知识的传播，和除加文·汉密尔顿(Gavin Hamilton)以外的大多数同时代人一样，他对这些绘画作品不感兴趣，引用了小普林尼(Pliny the Younger)对他所处时期绘画衰落的评论。

至于绘画，希腊绘画完全失传了:新古典主义画家们通过浅浮雕、马赛克和陶器画，通过拉斐尔那一代文艺复兴鼎盛时期的绘画和装饰，通过尼禄的《多姆斯·奥雷亚》、《庞贝》和《赫库兰尼姆》中的壁画，以及对尼古拉斯·普桑的重新崇拜，富有想象力地复兴了它。“新古典主义”绘画在题材上比其他任何绘画都更具有典型性。关于希腊和罗马艺术的优劣，一场激烈的争论持续了几十年，而温克尔曼和他的希腊学者们通常都站在胜利的一方。

对当代观众来说，很难重新捕捉到早期新古典主义绘画的激进和激动人心的本质;现在罢工甚至那些作家积极倾向于它作为“平淡”,“我们几乎完全无趣”,有的是肯尼斯?克拉克的评论安东拉斐尔孟的雄心勃勃的别墅Albani诗坛,由艺术家谁他的朋友Winckelmann描述为“最伟大的艺术家自己的,或许后来的时代”。图纸,随后变成了打印,约翰Flaxman使用非常简单的画线(被认为是最纯粹的古典介质)和数据主要是在概要描述《奥德赛》和其他科目,而一旦“解雇欧洲的文艺青年”,但现在“被忽视”,而当归考夫曼的历史画,主要是一个肖像画家，弗里茨·瓦特尼形容他有一种“油滑的温柔和乏味”。洛可可式的轻浮和巴洛克运动已经被剥离，但许多艺术家都在努力寻找合适的东西，而且在历史绘画中，除了弗拉克斯曼使用的希腊花瓶之外，没有古代的例子，拉斐尔倾向于作为替代模型，正如温克尔曼所建议的那样。

其他艺术家的作品，不容易被描述为平淡无奇，结合了浪漫主义的方面与一般的新古典主义风格，并构成了这两个运动的历史的一部分。德裔丹麦画家阿斯穆斯·雅各布·卡斯滕斯(Asmus Jacob Carstens)几乎没有完成他计划中的大型神话作品，只留下了绘画和色彩研究，这些作品往往成功地接近温克尔曼(Winckelmann)提出的“高贵的简朴和沉静的宏伟”的要求。与卡斯滕斯未实现的计划不同，乔瓦尼·巴蒂斯塔·皮拉内西的蚀刻画数量众多，利润丰厚，并被那些到欧洲各地旅行的人收回。他的主要题材是罗马的建筑和废墟，他对古代的刺激多于现代的。在他的16幅作品《想象的监狱》(Carceri d’invenzione)中，有些令人不安的氛围占据了主导地位，“压抑的独眼建筑”传达了“恐惧和沮丧的梦想”。瑞士出生的约翰·海因里希Füssli在英国度过了他的大部分职业生涯，虽然他的基本风格是基于新古典主义原则，但他的题材和处理方式更多地反映了浪漫主义的“哥特式”风格，并试图唤起戏剧性和兴奋感。

新古典主义绘画获得了一种新的方向感，雅克-路易斯·大卫在1785年巴黎沙龙上的《霍拉蒂的誓言》获得了轰动的成功。尽管它唤起了共和美德，但这是皇家政府的委托，大卫坚持在罗马作画。大卫设法将理想主义风格与戏剧和力量相结合。中央透视图垂直于画面平面，后面昏暗的拱廊使其更加突出，英雄人物在拱廊的映衬下被布置成一条横饰带，带有一丝人工照明和歌剧舞台的暗示，以及尼古拉·普桑(Nicolas Poussin)的古典色彩。大卫迅速成为法国艺术的领袖，在法国大革命之后成为一名控制了很多政府赞助艺术的政治家。在拿破仑时期，他设法保持了自己的影响力，转而从事坦率的宣传工作，但在波旁王朝复辟时期，他不得不离开法国流亡到布鲁塞尔。

大卫的许多学生包括让·奥古斯特·多米尼克·安格尔，他认为自己在漫长的职业生涯中都是古典主义者，尽管他的成熟风格与新古典主义的主流有着暧昧的关系，后来又转向东方主义和行吟诗人风格，这与他同时代的浪漫主义画家很难区分开来，除了他的作品总是以绘画为主。他在沙龙展出了60多年，从1802年到印象派开始，但他的风格，一旦形成，改变很少。

如果说新古典主义绘画缺少古代模型，那么新古典主义雕塑则往往缺少古代模型，尽管在公元前500年左右开始的“古典时期”，真正的希腊雕塑实例当时非常少;最受推崇的作品大多是罗马抄本。主要的新古典主义雕塑家在他们的时代享有巨大的声誉，但现在很少被重视，除了Jean-Antoine Houdon，他的作品主要是肖像画，通常是半身像，这些作品不会牺牲理想主义的人物个性的强烈印象。随着他漫长的职业生涯的继续，他的风格变得更加古典，代表了从洛可可的魅力到古典尊严的一个相当平稳的进程。与一些新古典主义雕塑家不同，他不坚持让他的模特穿罗马服装，也不要求裸体。他描绘了启蒙运动时期的大多数著名人物，并前往美国创作了乔治·华盛顿的雕像，以及托马斯·杰斐逊、本·富兰克林和其他新共和国创始人的半身像。

安东尼奥·卡诺瓦(Antonio Canova)和戴恩·伯特尔·桑弗森(Dane Bertel Thorvaldsen)都以罗马为基地，他们的肖像画创作了许多雄心勃勃的真人大小的人物和群体;两者都体现了新古典主义雕塑中强烈的理想化倾向。卡诺瓦有一种轻盈和优雅，而桑弗森则更为严肃;这种差异体现在他们各自的三格雷斯身上。所有这些，以及Flaxman，在19世纪20年代仍然很活跃，而浪漫主义对雕塑的影响是缓慢的，在19世纪的大部分时间里，新古典主义的版本仍然是主导风格。

一位早期的新古典主义雕塑家是瑞典人约翰·托拜厄斯·塞格尔。约翰·弗拉克斯曼(John Flaxman)也是，或者说主要是一位雕刻家，他的作品大多是非常经典的浮雕，在风格上可与他的版画相媲美;他还为Josiah Wedgwood设计和建模了好几年的新古典主义陶瓷。约翰·戈特弗里德·沙多(Johann Gottfried Schadow)和他的儿子鲁道夫(Rudolph)是为数不多的几位英年早逝的新古典主义雕塑家之一，他们是德国首屈一指的艺术家，弗朗茨·安东·冯·佐纳(Franz Anton von zauuner)则在奥地利。已故的巴洛克奥地利雕塑家弗朗茨·艾克塞瓦·梅塞尔施密特在职业生涯中期转向新古典主义，不久他似乎遭遇了某种精神危机，之后他回到乡下，致力于高度独特的“性格头”，秃顶的人物有着极端的面部表情。就像皮拉内西的《Carceri》一样，在20世纪早期的精神分析时代，人们对这些作品的兴趣重燃。荷兰新古典主义雕塑家马修·凯索斯(Mathieu Kessels)师从桑弗森(Thorvaldsen)，几乎只在罗马工作。

自1830年代在美国没有自己的雕塑传统,保存领域的墓碑,风向标和船舶傀儡,采用欧洲新古典主义的方式,这是统治了几十年,例证荷瑞修格里诺的雕塑,哈里特Hosmer希兰的权力,伦道夫·罗杰斯和威廉·亨利·莱因哈特。