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学院派艺术，或学院派或学院派，是在欧洲艺术学院影响下产生的绘画和雕塑风格。具体来说，学院派艺术是受法国Beaux-Arts标准影响的艺术和艺术家，它是在新古典主义和浪漫主义运动下实践的，以及这两个运动之后试图综合他们两种风格的艺术，这一点在威廉·阿道夫·布格罗、托马斯·库卓和汉斯·马卡特的画作中得到了最好的体现。在这种背景下，它经常被称为“学院派”、“学院派”、“艺术浮华主义”(轻蔑地)和“折衷主义”，有时与“历史主义”和“融合主义”联系在一起。学院派艺术与学院派建筑有着密切的联系，学院派建筑与学院派建筑是在同一个地方发展起来的，有着相似的古典主义理想。

第一个在意大利佛罗伦萨美术学院成立于由柯西莫我德美第奇,1563年1月13日,架构师的影响下Giorgio Vasari人称之为学院e银行delle Arti del Disegno(画的艺术学院和公司)分为两个不同的分支。“公司”是托斯卡纳的每一个艺术家都可以参加的一种团体，而“学院”则只由科西莫宫廷中最杰出的艺术人物组成，负责监督梅迪奇州的整个艺术生产。在这所医学院，学生们学习了“arti del disegno”(Vasari创造的术语)，并听了解剖学和几何学的讲座。另一所学院，圣卢卡学院(以画家的守护神圣卢克命名)，大约十年后在罗马成立。圣卢卡学院起到了教育的作用，与佛罗伦萨的艺术理论相比，它更关注艺术理论。1582年，在没有官方支持的情况下，Annibale Carracci在博洛尼亚开设了他非常有影响力的Desiderosi学院;在某些方面，这更像是一个传统的艺术家工作室，但他觉得有必要给它贴上“学院”的标签，这在当时证明了这个想法的吸引力。

圣卢卡学院后来成为1648年在法国建立的Académie皇家绘画和雕塑的模型，后来成为Académie法国美术学院。Académie royale de peinture et de sculpture是为了区分“从事自由艺术的绅士艺术家”和从事体力劳动的工匠而成立的。这种对艺术创作的智力成分的强调对学术艺术的主题和风格产生了相当大的影响。

1661年，路易十四重组了Académie皇家绘画和雕塑，目的是控制法国所有的艺术活动，在成员中发生了一场争论，主宰了剩下的一个世纪的艺术态度。这场“风格之战”是一场关于彼得·保罗·鲁本斯(Peter Paul Rubens)和尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin)是合适的效仿榜样的冲突。普桑的追随者被称为“普桑主义者”(poussinistes)，他们认为线条(disegno)应该主导艺术，因为它对知识分子有吸引力;而鲁本斯的追随者被称为“鲁本斯主义者”(rubenistes)，他们认为颜色(colour)应该主导艺术，因为它对情感有吸引力。

在以让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres)的作品为代表的新古典主义运动和以Eugène德拉克洛瓦(Delacroix)的作品为代表的浪漫主义运动的推动下，19世纪初，这一争论再次兴起。人们还争论，究竟是通过观察自然来学习艺术，还是通过观察过去的艺术大师来学习艺术。

学院采用法国模式，在整个欧洲形成，并模仿法国的教学和风格Académie。在英国，这是皇家学院。成立于1754年的丹麦皇家美术学院，可以作为一个小国家的成功范例，它实现了建立国家学校和减少对进口艺术家的依赖的目标。大约在1800-1850年，丹麦黄金时代的画家几乎都是在那里接受的培训，许多人回到丹麦教书，丹麦的艺术史上，学术艺术和其他风格之间的紧张关系比其他国家的情况要少得多。

女艺术家

向学院转移的一个影响是使女艺术家的训练更加困难，她们被排除在大多数学院之外，直到19世纪后半叶(1861年皇家学院)。这在一定程度上是因为人们对裸体所表现出的不当行为感到担忧。直到20世纪，女学生有时还会得到特殊的安排。

自普西尼斯-鲁本尼斯争论开始以来，许多艺术家都在这两种风格之间工作。在19世纪，随着辩论的复苏，艺术界的关注和目标变成了将新古典主义与浪漫主义色彩结合起来。一个接一个的艺术家被评论家声称已经完成了合成，其中包括Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps和Thomas Couture。后来的学者派艺术家威廉-阿道夫·布格罗(William-Adolphe Bouguereau)评论说，成为一名优秀画家的诀窍是将“颜色和线条视为同一件事”。Thomas Couture在他写的一本关于艺术方法的书中也提出了同样的观点:每当有人说一幅画有更好的颜色或更好的线条时，这都是无稽之谈，因为每当颜色看起来很鲜艳时，它就依靠线条来传达它，反之亦然;这种颜色是一种表达形式“价值”的方式。

这一时期的另一个发展包括采用历史风格，以显示绘画所描绘的历史时代，称为历史主义。这一点在简·奥古斯特·亨德里克·莱伊男爵(Baron Jan August Hendrik Leys)的作品中表现得最为明显，他后来对詹姆斯·蒂索(James Tissot)产生了影响。这也体现在新希腊风格的发展中。历史决定论也指与学术艺术相关的信仰和实践，即一个人应该吸收和调和与过去不同的艺术传统的创新。

艺术界也越来越关注艺术中的寓意。关于线和颜色的重要性的理论认为，艺术家通过这些元素来控制媒介来创造心理效果，从而表现出主题、情感和思想。当艺术家试图在实践中综合这些理论时，艺术作品作为一种寓言或比喻的载体被强调。他们认为，绘画和雕塑中的表现应该唤起柏拉图式的形式或理想，在普通的描述后面，人们会瞥见一些抽象的东西，一些永恒的真理。因此，济慈著名的沉思“美即真，真即美。”人们希望这些画是一个“idée”，一个完整的想法。布格罗曾说过，他不会画“战争”，但会画“战争”。许多学术艺术家的作品都是简单的自然寓言，标题为《黎明》、《黄昏》、《观看》和《品尝》，在这些作品中，这些想法被一个裸体人物拟人化，以一种揭示想法本质的方式创作。

与现实主义相反的是，艺术的趋势也趋向于更大的理想主义，因为被描绘的人物变得更简单，更抽象——理想化——以便能够代表他们所代表的理想。这将包括在自然中看到的一般化形式，并使它们服从于艺术作品的统一和主题。

因为历史和神话被认为是戏剧或思想辩证法，这是重要的寓言的沃土，使用这些主题的主题被认为是最严肃的绘画形式。最初创建于17世纪的流派等级制度受到重视，其中历史绘画——古典、宗教、神话、文学和寓言题材——被置于顶端，然后是流派画，然后是肖像、静物画和风景画。历史画也被称为“大画派”。汉斯·马卡特的绘画往往比现实生活中的历史剧更宏大，他将这一点与装饰中的历史主义结合起来，主导了19世纪维也纳文化的风格。保罗·德拉罗什是法国历史绘画的典型代表。

所有这些趋势都受到了哲学家黑格尔的理论的影响，他认为历史是相互竞争的思想的辩证法，最终在综合中得到解决。

19世纪末，学术艺术已经渗透到欧洲社会。展览经常举行，最受欢迎的展览是巴黎沙龙和始于1903年的automne沙龙。这些沙龙都是大型活动，吸引了大批国内外游客。这个展览既是一项艺术活动，也是一项社会活动。在一个周日，可能就会有5万人前来参观，在为期两个月的展览期间，将有50万人前来参观。成千上万幅画被展示出来，从低于眼睛的高度一直悬挂到天花板，这种悬挂方式现在被称为“沙龙式”。在沙龙上成功的展览是对艺术家的认可，使他的作品可以卖给越来越多的私人收藏家。布格罗、亚历山大·卡巴内尔和Jean-Léon Gér?me是这个艺术世界的领军人物。

在学术艺术的统治时期，洛可可时代的绘画，以前不受欢迎，重新流行起来，和经常使用在洛可可艺术的主题，如爱神和赛姬再次流行。学术艺术界也钦佩拉斐尔，因为他的作品理想，事实上更喜欢他而不是米开朗基罗。

在Jan Matejko的领导下，波兰的学术艺术蓬勃发展，他建立了Kraków美术学院。这些作品中的许多都可以在位于Sukiennice的19世纪波兰艺术画廊(Kraków)中看到。

学术艺术不仅在欧洲和美国有影响，而且影响到其他西方国家。这对拉丁美洲国家来说尤其如此，因为这些国家的革命是以法国大革命为蓝本的，所以它们试图效仿法国文化。一个拉丁美洲学术艺术家的例子是墨西哥的ángel Zárraga。

年轻的艺术家们经过了四年的严格训练。在法国，只有通过考试并持有著名艺术教授的推荐信的学生才能被学院的学校école des Beaux-Arts录取。被称为“académies”的裸体素描和绘画是学术艺术的基本组成部分，学习制作它们的程序也有明确的规定。首先，学生模仿古典雕塑的版画，熟悉轮廓、光、影的原理。该副本被认为是学术教育的关键;通过复制过去艺术家的作品，人们可以吸收他们的艺术创作方法。为了进入下一个阶段，每一个后续的阶段，学生们都要拿出自己的作品进行评估。

如果获得批准，他们将从著名的古典雕塑的石膏模型上作画。只有在掌握了这些技能之后，艺术家才被允许进入现场模特表演的课堂。直到1863年以后，école美术学院才开始教授绘画。为了学习用毛笔画画，学生首先必须熟练地绘画，这被认为是学术绘画的基础。只有这样，学生才能进入院士的画室学习绘画。在整个过程中，竞赛以预定的科目和特定的时间来衡量每个学生的进步。

最著名的学生艺术比赛是罗马大奖赛。罗马大奖赛的获胜者将获得奖学金，在位于罗马美第奇别墅的Académie fran?aise学校学习长达五年。参赛艺术家必须是法国国籍，男性，30岁以下，单身。他必须达到école网站的入学要求，并得到一位知名美术老师的支持。比赛非常艰苦，在决赛之前要经历几个阶段，10名参赛者被隔离在工作室里，用72天的时间完成他们最后的历史画作。获胜者基本上可以保证有成功的职业生涯。

如前所述，一个成功的展览在沙龙是对一个艺术家的认可。艺术家们向绞刑委员会请愿，要求在“线上”或与眼睛平齐的位置放置最佳位置。展览开幕后，艺术家们抱怨他们的作品被“天空”，或者被挂得太高。这位专业艺术家的最终成就是被选举为Académie fran?aise的会员，并获得了被称为院士的权利。